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Un guide du débutant sur l’expressionnisme dans l’art

L’expressionnisme dans l’art était un mouvement du début du XXe siècle qui explorait les thèmes de l’aliénation, de l’anxiété et de la peur. Alors que le mouvement est né en Allemagne, il s’est rapidement étendu à l’Europe du Nord puis au reste du monde. Alors que le mouvement n’a duré qu’environ 20 ans, son influence sur l’art moderne reste évidente aujourd’hui, y compris son utilisation de couleurs vives et de formes déformées pour créer un impact émotionnel et des scènes surréalistes.

Pour en savoir plus sur l’expressionnisme dans l’art, consultez ce guide pour vous aider à comprendre ce mouvement artistique populaire.

Quelques faits saillants de l’histoire de l’expressionnisme

Tout a commencé avec le romantisme. L’art moderne est apparu en 1811 lorsque Hamlet de Shakespeare a inspiré le poète Heinrich Heine. Cela l’a amené à écrire sa pièce Almansor, que de nombreux critiques considèrent comme la première œuvre de la littérature européenne moderne. Il présente des rebondissements très inhabituels et déforme à la fois le temps et l’espace sur toute sa courte durée.

La pièce a cédé la place à d’autres comme elle, y compris celles écrites par August von Kotzebue et Étienne Cabet ; ceux-ci sont généralement considérés comme les précurseurs des œuvres expressionnistes qui ont suivi après 1870.

Cependant, ce n’est que lorsqu’un artiste connu sous le nom de Vincent van Gogh a commencé à peindre des portraits avec de lourds coups de pinceau que l’expressionnisme a vraiment pris forme dans les arts visuels et la littérature.

Caractéristiques de l’art expressionniste

Le terme expressionniste est souvent interprété au sens large mais fait généralement référence à l’art qui tente de transmettre les sentiments subjectifs d’un artiste plutôt que l’objectivité. Alors que les arts visuels sont le plus souvent associés à l’expressionnisme allemand, la musique, le théâtre et la littérature présentent également des tendances similaires.

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Ces œuvres présentent généralement cinq caractéristiques : l’exagération, la distorsion, le mouvement, l’énergie et la couleur. Par exemple, une peinture peut représenter des traits du visage extrêmement exagérés, ou des objets peuvent prendre des formes anormalement tordues. Les artistes utilisent également fréquemment des couleurs contrastées pour capturer une plus grande énergie, ajoutant de l’action et de l’émotion à leur travail.

Qui étaient certains de ses principaux représentants?

Le peintre russe Vassily Kandinsky, le peintre autrichien Egon Schiele (né le 12 juin 1890 à Tulln et mort le 31 octobre 1918 à Vienne), Franz Marc (l’un des principaux représentants de l’expressionnisme allemand), Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz et Karl Schmidt-Rottluff n’étaient que quelques-uns de ses principaux représentants.

Il y avait un accent particulier sur l’expression des émotions plutôt que sur la réalité physique dans la peinture et la sculpture. Les artistes voulaient aussi s’exprimer directement à travers leur travail. Ils ont rejeté les conventions traditionnelles telles que la perspective linéaire et la coloration réaliste, que des artistes avaient établies comme Albrecht Dürer dans l’Allemagne du XVe siècle.

Les œuvres d’art expressionnistes allemandes dépeignent souvent des sujets avec un ton tragique ou triste. Cependant, d’autres thèmes ne sont pas rares dans les œuvres d’art expressionnistes.

 

Conclusion

L’art expressionniste est une forme dramatique et émotionnelle de peinture, de dessin ou de sculpture créée par des artistes qui voulaient représenter l’émotion subjective plutôt que la réalité physique. Il est apparu pour la première fois comme un mouvement d’avant-garde à la fin du XIXe siècle en Allemagne, se répandant dans toute l’Europe du Nord et influençant tout l’art occidental ultérieur. L’expressionnisme est l’une des nombreuses façons dont un artiste peut transmettre une émotion.

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Qu’il s’agisse de peinture, de musique ou de poésie, l’expressionnisme offre un aperçu de l’âme d’un artiste. À travers la distorsion de la couleur et de la forme, un artiste exprime ses sentiments les plus intimes en permettant aux gens de voir au-delà du papier ou de la toile. J’ai été profondément ému quand j’ai vu Mural de Jackson Pollock (1943). C’était chaotique à première vue, mais au fur et à mesure que je le regardais plus longtemps, cela commençait à avoir un sens et à dépeindre une histoire que seul Pollock pouvait raconter.

Alors que certains peuvent penser qu’un objet en trois dimensions a plus de valeur esthétique qu’un art en deux dimensions comme la peinture ou le dessin, il y a des moments où une photographie ne peut pas mieux représenter quelque chose que lorsqu’elle est déformée à l’aide d’un logiciel de retouche photo.

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